ANALISIS E INTERPRETACION DE LA OBRA PICTORICA

INTRODUCCIÓN: LA PINTURA

- La Pintura puede definirse como el arte de cubrir una superficie plana, el soporte en que se pinta, con colores, que los artistas usan según las técnicas de cada estilo o época. La pintura es ante todo color.

1. TEMÁTICA

- Los temas pueden ser infinitos, de todo tipo, por lo tanto lo que debemos hacer es simplemente identificarlo, citarlo y describirlo en el comentario (buscar ejemplos de los diferentes temas mencionados a continuación en las figuras de este u otros apartados del Tema 1: Introducción a la Historia del Arte).

- Pueden integrarse en dos grupos principales: los de temática religiosa, cuando se representan escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, vidas de santos, etc.; los profanos, que abarcan los mitológicos, los políticos, los retratos, los de género o escenas de la vida cotidiana, etc.; también podemos encontrar pinturas, generalmente murales, con finalidad puramente decorativa, con motivos arquitectónicos, vegetales, etc.; y muchos otros como paisajes, naturalezas muertas o bodegones, no figurativos o abstractos, etc.

2. ELEMENTOS PLÁSTICOS

2.1. La Línea y el dibujo

- La línea es el elemento que, realizado a través del trazo o dibujo

Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan por Leonardo da Vinci.

logra la identificación de las formas. El dibujo tiene un lenguaje propio y puede sugerir quietud, serenidad, dinamismo o emoción según sea continuo o discontinuo

Anunciación de Fra Angelico.

El nacimiento de Venus de Botticelli.

2.2. El Modelado y el volumen

- El modelado es la representación del volumen y la tercera dimensión. Para crear el volumen se subraya la forma, la corporeidad de los objetos o figuras, mediante el dibujo para obtener gradaciones de luz y sombra, consiguiendo el mismo efecto después con la aplicación del color

Estudio para La Creación de Adán de Miguel Ángel;

La Creación de Adán de Miguel Ángel.

- Pero también hay escuelas y pintores que no necesitan del dibujo para conseguir el modelado, graduando directamente los tonos claros u oscuros con el color

El bufón Pablo de Valladolid de Velázquez.

2.3. La Perspectiva

- La representación ficticia de la tercera dimensión se logra mediante la perspectiva, pero no hay una única forma de lograr este efecto, ya que a lo largo de la historia ha sido realizado mediante distintos medios:

- El primer sistema de valoración del espacio, utilizado ya en el mundo egipcio, es la perspectiva caballera, que representa a mayor tamaño las figuras situadas en primer lugar

(fig. 7: Pintura mural de la tumba de Nebamun), aunque, por otra parte, impera a veces un sentido jerárquico, por lo que las figuras representadas a mayor tamaño son las que tienen un mayor significado político o religioso.

- Podemos hablar de pintura plana, sin volumen ni perspectiva, a partir del Arte Paleocristiano y, sobre todo, durante el Románico, donde las formas se representan según un tamaño simbólico.

- La perspectiva lineal se consigue mediante líneas que alargan ilusoriamente la superficie plana hasta un espacio interno, siendo estas líneas el medio para disponer las figuras con relación al fondo. A partir del Renacimiento Alberti formula teóricamente la perspectiva central, que logra definitivamente la recuperación de la tercera dimensión, mediante la representación de un único "punto de fuga" hacia el que convergen todas las líneas, sobre las que se sitúan las figuras, colocándose en diferentes planos paralelos al fondo

Desposorios de la Virgen de Rafael.

- El escorzo

Cristo cristo muerto de Andrea Mantegna

es un recurso propio de la representación de la perspectiva, con él se representa el volumen colocando las figuras perpendiculares u oblicuas al fondo, perpendiculares al plano sobre el que se pinta.

- La superación definitiva de la perspectiva lineal se inicia con Leonardo da Vinci, que utiliza por primera vez la técnica del esfumato, considerando fundamental la representación del espacio aéreo que hay entre las figuras

La Gioconda.

La perspectiva aérea es la forma más real de representar la tercera dimensión en una pintura, se trata de representar la atmósfera que hay entre las figuras difuminando los tonos cromáticos y las siluetas en relación con las diferentes distancias que cada figura o elemento del cuadro ocupa sobre el plano, no representando con la misma intensidad las figuras de los primeros planos y las del fondo, la línea y el modelado se diluyen

- En el siglo XX los nuevos planteamientos del arte contemporáneo hacen variar de nuevo los conceptos tradicionales de volumen y perspectiva, recorriendo el camino que ve desde el realismo absoluto en la representación del espacio hasta la abstracción.

.4. La Luz

- En la pintura la luz es también un elemento fingido, hay que representarla, frente a la escultura o la Arquitectura, donde es real. La luz en la pintura puede ser de varios tipos: natural diurna

“Las Hilanderas”, de Velázquez

Febrero 24, 2008 por kikeonu

Las hilanderas de Velázquez

o nocturna

Noche estrellada de Van Gogh,

o artificial

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Comedores de patatas de Van Gogh.

- La luz está íntimamente relacionada con el modo de representar el espacio y el volumen a través de la evolución de los diferentes estilos pictóricos: durante el Románico encontramos una luminosidad uniforme, sin sombras, ante la ausencia de modelado y perspectiva en la pintura plana de este estilo

Pantócrator del ábside de San Clemente de Tahull;

a partir del Gótico se emplea para resaltar los volúmenes, envolviendo las formas mediante el modelado

La Anunciación de Simone Martini.

en las composiciones con perspectiva lineal del Renacimiento la luz es clara y los contrastes lumínicos entre luces y sombras no son muy acentuados

Virgen con el Niño, santos y Federico de Montefeltro de Piero Della Francesca.

con el tenebrismo del Barroco aparecen las dramáticas composiciones de fondos oscuros contrastados, con la luminosidad procedente de un foco situado fuera del lienzo que se centra en las figuras

Muerte de la Virgen de Caravaggio.

con la perspectiva aérea los matices entre la luz y la sombra se consiguen mediante la aplicación de distintas tonalidades del color

La Rendición de Breda de Velázquez.

los impresionistas desarrollarán de una forma magistral una técnica adecuada para la captación de la luz, llegando a realizar largas series de un mismo motivo con la finalidad de captar sus diferentes matices bajo condiciones lumínicas distintas o cambiantes

Le Moulin de la Galette de Renoir.

y, por último, en las Vanguardias Artísticas, se experimentará con ella más libremente, desde distintos puntos de vista, desde su descomposición racional en el Cubismo

Hombre con guitarra de Braque.

hasta caminar de nuevo hacia una pintura plana en la que la luz vuelve a no jugar un papel decisivo

Composición VIII de Kandinsky.

2.5. El Color

- Es el elemento fundamental de la pintura y para conseguirlo la mayoría de los procedimientos consisten en añadir un elemento denominado aglutinante al pigmento o color en polvo.

- En pintura hablamos de colores primarios, que son los tres colores fundamentales, el amarillo, el rojo y el azul, y de colores secundarios, que se consiguen mezclando dos primarios, son el anaranjado (amarillo y rojo), el violeta (azul y rojo) y el verde (azul y amarillo). Por otra parte comentar que son colores complementarios cada secundario con el primario que no entra en su composición: del anaranjado el azul, del violeta el amarillo y del verde el rojo

Teoría de los colores

- También debemos distinguir entre la gama cálida de colores, que son el amarillo, el naranja, el rojo, etc., y que tienen la propiedad de expandir la luz, dando la sensación de avanzar hacia el espectador, por lo que se suelen utilizar en los primeros planos para acentuar la perspectiva, y la gama fría, el violeta, el azul, el verde, etc., que absorben la luz, dando la sensación de alejarse de quien los observa, por lo que se utilizan, generalmente, en los últimos planos en perspectiva

Habitación del pintor en Arlés de Van Gogh.

San Andrés y San Francisco de El Greco.

- Además de estas características hay que tener en cuenta y comentar, cuando analizamos un cuadro, cómo se aplica el color, la pincelada

Juramento de los Horacios de David.

Impresión. Sol naciente de Monet.

si ésta es uniforme, espesa, nerviosa, etc.

2.6. La Composición

- Entendemos por composición la forma de ordenar las figuras en el plano, pudiéndose fundamentar en la forma, la luz y el color:

- Cuando la composición está basada en las formas se crean esquemas expresados por medio de figuras geométricas, como el de simetría

Bodegón de cacharros de Zurbarán.

donde todo se ordena en dos mitades con arreglo a un eje central, el piramidal

La Madonna del cuello largo de Parmigianino.

el diagonal

El lavatorio de los pies de Tintoretto.

el circular

La Danza de Matisse.etc.

- La composición basada en la luz consiste en que mediante la luz, iluminando por igual todas las partes del cuadro o destacando fuertemente algunas figuras, se organiza la distribución de las figuras en la pintura

La Virgen de las rocas por Leonardo da Vinci.

- La composición basada en el color

La Bacanal de Tiziano.

con sus diferentes tonos o manchas cromáticas se pueden lograr composiciones planas o conseguir otros efectos, como estabilidad, dinamismo, lejanía, proximidad, etc.

3. LAS TÉCNICAS EN LA PINTURA

3.1. Pintura Monumental

- Hablamos de pintura monumental cuando se pinta sobre un muro o pared:

- El fresco

Juicio Final de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

es la técnica más empleada a la hora de realizar la decoración pictórica de paredes y consiste en aplicar los colores disueltos en agua de cal sobre un soporte previamente acondicionado, sobre un "revoque" de tres o cuatro capas de una masa de cal apagada con el que se recubre la pared. Cuando se pinta el revoque debe estar húmedo, para que pueda absorber los colores, por lo que su aplicación debe realizarse dividiendo el conjunto en distintas partes y con rapidez. Una vez seca la pared adquiere una gran dureza y brillantez.

- La encáustica

Pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya.

es un sistema usado en la antigüedad clásica, que consiste en pintar con colores disueltos en cera líquida y aceites aplicados en caliente sobre el revoque.

- El mosaico

Mosaico de los músicos de la Villa de Cicerón en Pompeya.

no utiliza pigmentos, el color lo proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, mármol, vidrio o metal, con las que realmente se pinta, colocandolas sobre un dibujo previo sobre una argamasa.

- La vidriera

Vidrieras de la Sainte Chapelle de París.

se trabaja igual que el mosaico, sobre un dibujo previo se diseñan los cortes de los vidrios, que luego se pigmentan a altas temperaturas, para al final recomponer el mosaico uniendo los vidrios con plomo ya en el ventanal.

3.2. Pintura Exenta

- Sus soportes más usuales son la madera y el lienzo, y las técnicas fundamentalmente el temple y el óleo, aunque también son importantes las obras realizadas sobre papel:

- En la pintura al temple se utiliza como aglutinantes de los colores el agua y otras sustancias como la clara de huevo, goma y cola. Esta técnica pictórica se usaba sobre todo sobre tabla en la Edad Media

Frontal de Altar de la Seu d'Urgell.

- En la pintura al óleo los colores se disuelven en aceites, de linaza o nuez, mezclados con esencia de trementina y resinas. Aunque conocido desde la Antigüedad, este procedimiento fue perfeccionado en la primera mitad del siglo XV por los primitivos flamencos, culpables de su amplísima difusión a partir de entonces

Matrimonio Arnolfini de Van Eyck.

La pintura al óleo al principio se aplicó sobre tabla, pero ya en pleno Renacimiento se generalizó el uso del lienzo.

- Los acrílicos son usados por los movimientos de vanguardia de forma generalizada, por lo que hablaremos de ellos sólo a partir del siglo XX

Girl with Ball de Roy Lichtenstein.

Son colores sintéticos, de gran intensidad cromática y resistentes a los agentes externos.

- En la acuarela los colores se disuelven en agua, a la que se añade goma para fijar el color sobre el papel sobre el que se aplica

Una joven liebre de Durero.

La acuarela es fluida, se obtienen tonos transparentes y seca rápido.

- El gouache es igual que la anterior, pero más espeso y opaco al utilizar el color blanco, no empleado en la acuarela, aplicándose también sobre pape.

- El pastel se consigue aglutinando los colores con talco y goma. Normalmente se forman lápices, con los que se pinta directamente sobre el papel, soporte básico también de esta técnica

rretrato de Quentin de la Tour.

- El grabado es el arte de reproducir un dibujo mediante la obtención de una plancha o matriz

¡Grande hazaña! ¡Con muertos! Placa nº 39 Los desastres de la Guerra de Goya.

xilografía, cuando se realiza en madera; calcografía, cuando se realiza en cobre; litografía, cuando se realiza en piedra; serigrafía, cuando se realiza en seda.